コヤニスカッツィ

ゴッドフリー・レッジョ監督による映画の傑作『コヤニスカッツィ』は、現代技術が人類と環境に与える破壊的な影響を批判的に考察する、内臓に訴えかけるような、考えさせられる視覚的な詩である。1980年代初頭に撮影されたこのトーンポエムは、伝統的な物語構造を避け、セリフやナレーションを排し、感覚に直接訴える、痛烈で瞑想的な視覚言語を重視している。 映画のタイトルである『コヤニスカッツィ』は、ホピ族のネイティブアメリカンの言語に由来し、「バランスを失った生活」を意味する。レッジョの見事な撮影技術は、このコンセプトを見事に示しており、視聴者をアメリカ全土への痛烈な旅に連れて行き、技術、人間社会、自然界の間の複雑な関係を露呈させる。一連の印象的な映像を通じて、レッジョは、ますます機械化され、疎外された存在から生じた断絶と絶望感を伝えている。 『コヤニスカッツィ』は言葉のない映画だが、そのメッセージは揺るぎない明快さで伝えられている。アメリカの風景の荘厳さを描き出すことから始まり、広大な景色、雄大な山々、無限の平原を紹介する。しかし映画が進むにつれて、これらのイメージは現代生活の厳しい現実へと姿を変えていく。工業化された都市、混雑した高速道路、汚染、そして手つかずの風景の冒涜。レッジョのカメラは、建設の雷のような音から機械の唸りまで、都市生活の騒音をとらえ、荒野の不気味な静寂は、痛烈なコントラストとして機能する。 著名な作曲家フィリップ・グラスが作曲したノンダイジェティック音楽の使用は、映画の感情的なインパクトを高めている。グラスのスコアは、リズミカルなパターンと忘れられないメロディーが魅惑的にブレンドされており、深い不安と動揺を呼び起こす。彼の音楽は、画面上の映像に対する比喩的なアンダースコアとして機能し、自然と技術の間の緊張を高めている。この革新的な音楽の応用を通じて、レッジョとグラスは多層的なレベルで視聴者を襲い、心と感情の両方に関与させる、内臓的な体験を生み出す。 『コヤニスカッツィ』の撮影技術は、映像によるストーリーテリングの傑作である。レッジョは、撮影監督のロン・フリックと緊密に協力して、詩的でありながら不安を掻き立てる視覚言語を作り上げた。フリックのカメラワークは、親密で閉所恐怖症的なものから、広大で雄大なものまで、現実と抽象の境界線をしばしば曖昧にする。映画における長回し、スローモーション、そしてタイムラプス撮影の使用は、その催眠的で夢のような雰囲気を高め、視聴者をおなじみでありながら異質な世界へと引き込む。 この映画の最も印象的な側面の1つは、人間と技術の関係の探求である。レッジョは、技術が人類の問題に対する万能薬であるという考えを批判し、代わりに私たちを非人間化し、疎外する能力を明らかにしている。工場、機械、そしてコンピュータシステムの映像を、日々のルーチンに閉じ込められた人々の映像と並置することで、現代性を受け入れる上で私たちが払う代償を強く思い出させるものとなっている。これは、私たちの価値観に疑問を投げかけ、進歩の真のコストを検討することを私たちに促す映画である。 『コヤニスカッツィ』は、アメリカのアイデンティティの探求でも特筆に値する。レッジョのカメラは、国の都市部の拡大を記録するだけでなく、工業化によって手つかずのまま残された、ネイティブアメリカンの居留地、アーミッシュのコミュニティ、そして農村部の風景など、本物のアメリカの遺産の残骸も示している。これらの空間において、レッジョは土地と、そして互いへの深い繋がりを見出しており、それは映画の他の部分に蔓延する断絶と絶望に対する強力な対位法として機能する。 最終的に、『コヤニスカッツィ』は行動への呼びかけであり、人類がその価値観を再評価し、より持続可能な道を見つけるための嘆願である。レッジョの映画は、技術と自然界との関係を再考し、よりバランスのとれた思いやりのある生き方を模索することを私たちに促す。その息を呑むような映像と忘れがたい音楽を通して、『コヤニスカッツィ』は、私たちが住む世界の美しさと脆弱さ、そして私たち自身と土地の両方と調和して生きる方法を見つけることの喫緊の必要性を私たちに思い出させる。